Pearson Finding Freedom in the Art of Creating

カナダ・バンクーバー島の豊かな自然に囲まれた場所で過ごした、穏やかな一週間。そこには決められた脚本も明確な完成形もなく、ただ純粋に音楽を奏で、映像を撮り、ともに時間を過ごす人々の姿があった。そんな自由な創作の過程から生まれた映像インスタレーション「Pearson」が、東京・代々木八幡の「Vacant/Centre」にて公開された。プロジェクトを発案したクリエイティブディレクターのマイキー・クシザノフスキー（以下MK）、映像監督のフランシス・プラマー（以下FP）、そしてミュージシャンのジョナ・ヤノ（以下JY）。異なる領域で活動する3人が、作品誕生の背景や制作の舞台裏、そして日々の喧騒から離れ、純粋に何かを生み出すことの意味について語ってくれた。

ひとつの音楽との出会いから始まった
自由な創作の旅

ー まずは「Pearson」というプロジェクトが生まれたきっかけについて教えてください。

MK　そうですね。以前住んでいた場所で毎週のように友人たちと朝食を食べる習慣があって、ある日ピアニストの友人のハーヴィーと音楽の話をしていたときに、ジョナのアルバムを勧められたんだ。実際に聴いてみると、衝撃的であると同時にどこか挑戦的な音楽でもあって。聴き込むうちにすっかり夢中になってしまったんです。それで共通の友人を通じてジョナに連絡を取ってもらい、音楽制作のためのレジデンシーを提案したんです。自分が主宰するクリエイティブスタジオ「open!」のチームにも相談して、純粋に実現させたいという気持ちだけでこのアイディアに取り組むことにしました。

ー ジョナさんは、突然そのような提案を受けてどう感じましたか？

JY　最初は信じられなかったですね。「本当にいいの？」って何度も確認したくらいです。クリエイティブな仕事をしている人なら、誰もが一度は考えたことがあると思うんですけど、ただ何かをつくるためだけに自由に時間を使えたらどれほど素晴らしいだろうって。でもそういう理想を頭のなかで思い描くことと、実際にその機会を与えられることはまったく違います。だからもちろん嬉しかったですね。美しい場所に行って好きなように音楽をつくっていいと言われるなんて、本当に夢のような話ですから。

ー ちなみに、皆さんは以前から面識があったのでしょうか？

MK　実は、僕らが初めて直接顔を合わせたのはバンクーバーだったんです。島へ向かう日の朝、みんなでコーヒーを買っていたときでした。つまり、ほとんど初対面の状態で一緒に制作を始めたんですよ。その日は「世界シャチの日」で実際にフェリーからシャチも見えました。旅の始まりからすでに特別な時間だったように思います。

ー 制作場所としてバンクーバー島を選んだ理由は何だったのでしょうか？

JY　僕はバンクーバー周辺で育ったのでブリティッシュコロンビア州にはもともと馴染みがありました。ただ、バンクーバー島みたいな圧倒される自然のなかで音楽をつくった経験はありませんでしたね。

MK　場所を探すにあたってはステューシーのアートディレクターでもある友人のブロック・マッケイに協力してもらいました。最初はもう少し現代的な建物も候補にあったんですが、ブロックが「1970年代の使われなくなったサマーキャンプのような場所」と提案してくれて。彼は場所が持つ雰囲気を捉えるのが本当に上手なんですよ。最終的には水上飛行機でバンクーバー島まで足を運び、あの場所を見つけてくれました。今思えばまさに完璧な場所でしたね。

自然に身を委ねることで生まれた
ありのままの表現

ー 実際に自然に囲まれた環境で音楽を制作してみて、普段の制作との違いは感じましたか？

JY　間違いなくありました。あれほど美しい場所にいるということ自体が特別な体験でしたからね。僕は、何かをつくるときに自分が置かれている環境は、必ずその作品に影響を与えると考えています。周囲の景色や水の色、空気感だったり、あらゆるものが自然と自分のなかに入ってくる。たとえ影響を受けていないと思いたかったとしても、あの環境で何も感じずにいることは不可能だったと思います。制作している最中よりも、むしろ時間が経って振り返ったときに、その影響の大きさを実感することがありますね。

ー まさにその通りだと思います。フランシスさんは映像制作にあたってどの程度の構想を事前に練っていたのでしょうか？

FP　かなり即興的でしたね。事前に写真で場所の雰囲気は見ていたものの実際に訪れるのは初めてでしたから。最初から明確な物語を持つ映像やいわゆるドキュメンタリーをつくりたいとは考えていませんでした。むしろ観る人が映像を通して何かを理解するというよりも、自分自身がその場所で時間を過ごしたかのように感じられる作品にしたかったんです。実際、現地に到着してから最初の4日間くらいは何を撮るべきかを考える時間でした。敷地がとても広く、魅力的な場所がいくつもあったので、単に美しく見えるものではなくどんな感覚を伝えたいのかを考えながら、少しずつ撮影する対象を絞っていきました。最終的に撮影を行ったのは3日間ほどでしたね。

ー 映像を拝見していると、カメラを通じてまるで自分自身もその場にいるような感覚になりました。そうした視点も意識されていたのでしょうか？

FP　それは嬉しいですね。

MK　僕自身も昨日ここで作品を観ていたときに同じような感覚になりましたよ。ジョナが水辺にいるシーンで、彼が画面のなかに入ってきた瞬間、思わず心のなかで「静かにしなきゃ」と感じてしまって。彼がひとりで穏やかな時間を過ごしているように思えたんです。木々をただ映しているような場面もありますが、そういう何気ない視点こそが、実際にその場所にいる感覚につながっているのかもしれませんね。

ー やっぱりそうですよね。観ていてすごく引き込まれました。音楽だけでなく、映像も自由な発想のなかで生まれていったのですね。

FP　そうですね。普段の映像制作では、数分単位でスケジュールが組まれていることも珍しくありません。でも今回はそういった制約から離れることができました。ジョナがその場で音楽を即興的につくっていたのと同じように、僕らもその日に思いついたアイディアをそのまま映像にすることができたんです。例えば、ジョナの周囲をカメラが回り込むシーンも、現地で機材を触りながら思いついたものでした。事前に計画していたわけではないけれど、実際に撮影してみるとすごくいいものになった。そういう瞬間が本当に楽しかったですね。

何かをつくる
そのピュアな喜びを取り戻すために

ー 今回のプロジェクトでは、何かを完成させること以上に創作する時間そのものを大切にしていたように感じます。

MK　まさにそうだと思います。現地で撮影していたとき、撮影監督のロビーが「これって最高だよね。僕らは仕事をしているんじゃなくて、ただ一緒に何かをつくっているんだから」と言ったんです。その言葉が今でも強く印象に残っています。僕らは普段さまざまな仕事に追われていますよね。そうしているうちに、純粋にアイディアを形にするためだけに何かをつくる、という感覚を忘れてしまうことがある。今回のプロジェクトには、ブランドのスポンサーがいるわけでもありません。東京での展示にしても、大勢を集めた華やかなローンチパーティーを開くのではなく、訪れた人が横になったり、くつろいだりできる静かな空間をつくりたかったんです。それは最初から変わらない考えでした。

ー 撮影で使用した建物もとても印象的でした。あの空間にはどのような背景があるのでしょうか？

MK　あの建物は学校の敷地の端にある森のなかに建てられたもので「スピリチュアル・センター」と呼ばれています。もともとは、宗教や信仰の違いにかかわらず、学生たちが祈りを捧げたり、静かに過ごしたりするためにつくられた場所なんです。なので空間そのものにとても穏やかな雰囲気がありました。それまで人々が祈ったりストレッチなどをしていた場所で、そこで音楽をつくるのは僕らが初めてでした。今回の作品にもあの空間が持っていた空気感が自然と重なっているように感じます。

ー あの一週間から約1年が経ちましたが、今でも特に記憶に残っていることはありますか？

JY　僕は水の色ですね。今でもよく思い出します。

MK　僕の場合はくるくると回りながら落ちてくる小さな種ですね。今でも朝の散歩中に似たものを見かけるとあの場所で過ごした時間を思い出します。

FP　僕はやっぱり、あの回転するカメラのショットを撮影した瞬間かな。友人たちと一緒に自由に何かをつくることができたあの感覚が忘れられません。

JY　あとは海で泳いだことですね。水が信じられないくらい冷たかった。日中は暖かかったんですが、太平洋岸北西部の海は一年を通して水温が低いんです。でも、あの冷たい水に飛び込んだときの感覚も含めてすべてが鮮明に残っています。

都会の喧騒のなかに届ける
静かで親密な時間

ー 今回、バンクーバー島とはまったく異なる環境である東京で初めて作品を公開することになりました。東京を選んだ理由は何だったのでしょうか？

MK　一番大きかったのはジョナと日本とのつながりですね。最初にレジデンシーの話をしたとき、カナダと日本のどちらで制作したいかを尋ねたんです。そのときジョナはブリティッシュコロンビア州を希望していて、当時は東京に住んでいました。なので、あの場所で生まれたものを今度は彼が暮らす東京に持ってこられるというのはとても自然な流れだったと思います。それにあえて正反対の環境に持ち込むことにも意味があると感じていました。人の少ない、自然に囲まれた静かな場所で生まれた感覚を、まるで封筒に包んで、そのまま都会へ届けるようなイメージです。東京のような街の真ん中で、あの穏やかな時間を体験できるという対比がおもしろいと思いました。

ー 会場の空間づくりについても教えてください。特に入口のカーテンが印象的でした。

MK　あのカーテンに使われているのは現地でフランシスが撮影した写真なんです。ジョナが水辺へ歩いていく姿を木々と一緒に捉えたもので、画面のなかに小さく彼の後ろ姿が写っています。もともとは特に使い道を決めずに撮影した写真でしたが、質感がすごくおもしろくて。少し抽象的でもあり、今回の空間に合っていると感じました。あのカーテンを通ることで、展示の世界へと入っていくような感覚が生まれていると思います。

ー 最後に、今後も「Pearson」のようなプロジェクトを続けていきたいと考えていますか？

MK　ぜひ続けていきたいですね。まずはロンドンでも展示ができたら素晴らしいと思っています。それからジョナの新しいアルバムもリリースされますし、これからも一緒に何かをつくっていけたら嬉しいです。

FP　もしまたあの場所に戻れるなら、次はもっと奥まで探索してみたいですね。現地には街から離れ自然のなかに小屋を建てて暮らしている人たちもいて、そうした生活にも興味があります。

JY　実はあの敷地には今回使わなかった建物や施設がまだまだたくさんあるんです。講堂や図書館、空のプールなんかもありました。次はキャンプなんかをしながら、もっと多くの仲間と一緒にさまざまな場所で音楽を録音してみるのもおもしろそうです。

ー ちなみに、作品のタイトル「Pearson」にはどのような意味が込められているのでしょうか？

FP　実はあの場所の名前をそのまま使っているんです。タイトルを考えるときにはいろいろなアイディアが出ました。ただどれも少し意味を持たせすぎているように感じたのです。この作品は明確なストーリーがあるわけではなく、ある場所で過ごした時間をそのまま映し出したものです。だからこそあまり複雑には考えず、最も素直な名前を選ぶことが自然だと思いました。僕らにとって、「Pearson」という言葉を聞けばあの場所とそこで過ごした時間がすぐに思い浮かびます。それだけで十分だったんですよ。

ただ好きなことに没頭する。それは一見簡単そうで、実はとても贅沢な時間なのかもしれない。時間やプレッシャーに追われる日常のなかでいつしか忘れてしまいがちな純粋な創作の喜びが「Pearson」には確かに息づいていた。風に揺れる木々、穏やかな水面、そして自然のなかで奏でられる心地よい音楽。それは彼らがともに過ごした何気ない瞬間の積み重ねだ。慌ただしく過ぎていく都会の時間から少しだけ離れ、目の前に広がる景色と音に身を委ねてみる。そんなささやかな体験が日常を見つめ直すきっかけになるのかもしれない。今後はロンドンでの上映も予定されているとのことで、さらなる展開に注目したい。

ジョナ・ヤノ
広島生まれ、バンクーバー育ちの日系カナダ人シンガーソングライター。バッドバッドノットグッドやクライロなどとの共演でも知られ、2027年1月には4作目となるアルバム「Spin」を発表予定。

フランシス・プラマー
ロンドンを拠点に活動する映像監督。人間味と遊び心に富んだ映像表現を得意とし、ステューシーとの長年にわたる協業をはじめ、バーバリーやニューバランスなどの作品を手がける。

マイキー・クシザノフスキー
デザイン、ファッション、音楽など多領域で活動するクリエイティブディレクター。スタジオ「open!」を主宰し、ロイル・カーナーやウェスリー・ジョセフなど、さまざまなアーティストとの協業を手がける。